Trailers épicos

 

Los trailers. Aquellos pequeños cortos con una alta carga de marketing que pueden concluir en la tragedia o en la gloria. Existen trailers que son mejores que la película. Hay trailers confeccionados con el bajo vientre que te meten spoilers hasta la yugular. Y se hallan trailers absolutamente épicos.

La importancia de la banda sonora en estos pequeños fragmentos de milésimas de segundo es vital. No soy muy partidario de la utilización de música pop, rap o rock para los trailers pero entiendo que hay que captar al público joven y no a los carcamales como yo que aún escriben en blogs.

Detrás de esos 2:24 minutos hay verdaderos artesanos que te embaucan para acabar viendo (y pagando) auténticos mojones. Sin embargo, no siempre es el caso y voy a exponer 5 trailers que los definiría como épicos y que me embaucaron de manera irracional.

5. Mad Max: Fury Road (2015)

Era impensable volver a ver una película de ese calibre y lo hizo un señor de 70 años. Una película sencilla de persecución constante con un Junkie XL contundente y un montaje loco. Por ejemplo, Mad Max 2 tuvo 120 cortes en 90 minutos. Fury Road tiene 2.700. En mi opinión este es el mejor trailer de la película de todos los que se subieron.

4. Alien: el octavo pasajero (1979).

Dejad que cuele mi visión jurásica. No es una película de acción al uso pero posee un trailer asfixiante con un tinte experimental que reta al espectador a tener agallas para ver la cinta.

No aparece el Alien y suena una bocina insana durante toda la presentación. Sólo insinúa y añade un amenazante “En el espacio nadie puede oír tus gritos”.  No creo que haya mejor campaña de marketing para una película.

3. Man of Steel (2013).

He disfrutado de Marvel y de DC de Snyder. No voy a entrar en polémicas estériles pero necesitaba un Superman de ese calibre. El trailer nº 2 de Man of Steel es absolutamente glorioso. Esa música onírica junto con la escena del primer vuelo de Kal-El originan unos pelos como escarpias. No sé cuántas veces me tragué este trailer. Absolutamente épico.

2. Hasta el último hombre (2016).

Otro éxito de Mel Gibson después de casi diez años en el olvido. Un olvido que se ganó a pulso al igual que su resurrección. Hasta el último hombre cuenta la historia de Desmond Doss, el primer objetor de conciencia que recibió una Medalla de Honor de Estados Unidos sin coger un arma. Historia ideal de valores para un Mel Gibson que fraccionó su cinta en dos partes: la instrucción y la guerra. Un trailer espectacular que atisbaba la vuelta de un grande.

 

1.  300. El Origen de un Imperio (2014).

Segunda parte de la maravillosa 300 que pasó sin pena ni gloria pero que a un servidor le encantó. Esta segunda visión ya no tenía la fuerza de Gerard Butler pero visualmente es espectacular. La guerra se traslada a los mares con unas batallas navales impresionantes. Conserva su origen de cómic y se añade al reparto, la agradable sorpresa de Eva Green.

El segundo trailer lanzado es el elegido y el mejor. Los pequeños frames del trailer han sido seleccionados cuidadosamente para que coincidan con la percusión de la banda sonora. Una bestia de trailer.

Curve (2016)

 

Sin duda, uno de los cortometrajes más angustiosos que he visto. Me apareció en uno de esos “vídeos cortos” de Youtube a merced de su logaritmo curioso y quedé horripilado.

Una mujer ensangrentada despierta en una superficie lisa y curva donde permanece sujeta in extremis en una posición poco convencional. Cualquier movimiento en falso, puede deslizarla hacía el fondo de un oscuro foso. La mujer desconoce cómo ha llegado a ese agujero y no sabe que hay en el interior del abismo. Es una situación desesperante.

He tenido pensamientos de ese estilo fijándome en superficies lisas de todo tipo con una ligera inclinación pero no atisbo idea real para ayudar a esa desdichada mujer. ¿Tumbarte sobre un costado? La verdad que esa impotencia es lo que me atrapa de este pequeño vídeo de apenas 10 minutos.

Se podría decir que estamos ante una versión minimalista de películas como Buried o 127 horas. El gran fallo del cine actual no radica en la técnica ni en la estructura de un guion sino en la falta de ideas originales. Y aunque se trate de un corto, consta de un concepto simple, innovador y proporciona un interés al espectador desde el primer minuto.

Este corto australiano es dirigido por un tal Tim Egan y es interpretado por una magnífica Laura Jane Turner que no emite palabra alguna pero a través de su rostro transmite un desasosiego pulsante en cada segundo. Convincente.

Según una entrevista, la “inspiración” del director para perpetrar esta obra fue gracias a dos momentos vividos. Uno de ellos fue cuando sufrió un atropello por parte de un coche que se saltó un semáforo en rojo. El hecho de agarrar el asfalto con las manos, medio inconsciente, le produjo una sensación de seguridad irreal, tal y como muestra la actriz en el corto. También le influyó para la cinta estar en contacto con una persona deprimida. Ésta le comentó al director que la sensación de estar en ese estado de depresión era igual a que la tierra se abriera debajo de ti y que el único propósito de la vida era no caer por ese precipicio.

Lo único que veo que flojea en el corto es su conclusión off-screen (fuera de pantalla) y me sobran esos sonidos que surgen del abismo sin ningún sentido que te sacan de la cinta. ¿Está Godzilla merendando en el fondo del hoyo?

Se le achaca también que no refleja el motivo por el cual se encuentra la mujer en esa situación. Personalmente, me importa bien poco. ¿Y si se ha resbalado con una piel de plátano y ha caído en ese agujero? ¿Sería un detalle relevante?

Inicialmente, el director pensó en filmar una causa que explicara cómo había acabado la mujer en ese hoyo pero se descartó. Se le pasó por la cabeza de que la chica estaba paseando al perro y al escaparse el can, cayó en la fosa. Sin embargo, pensó que el público perdería el interés ya que se preguntaría todo el tiempo que le habría pasado al perro. Y no le falta ni le sobra razón.

 

Tampoco me queda claro el significado del oleaje inicial que vemos al principio del corto aunque tengo mis suposiciones. ¿Se intenta transmitir que el oleaje es curvo y redondeado como las paredes de la fosa? ¿Vemos el agua porque la historia transcurre en una presa? Tengo otra más plausible. El director cuenta en una entrevista que una persona con depresión le comentó que el mejor momento del día eran los tres primeros segundos al despertarse ya que en ese tiempo no recordaba el motivo de su tristeza. Y analizando esta afirmación ¿Puede que ese oleaje simbolizara el periodo de calma de nuestra protagonista antes de encontrarse al borde del abismo? Ni idea.

Curve ganó el primer premio en Sitges de 2016 y también fue galardonado a mejor corto en un festival de París, llamado Paris International Fantastic Film Festival.

Desconozco si su director tendrá la misma suerte que David F. Sandberg que triunfó con el corto Luces fuera (Lights out) y lo catapultaron para dirigir Shazam y Annabelle. A priori, se le ve con talento.

Aquí enlazo el susodicho. Un abrazo.

Películas de acción infravaloradas y suspendidas en Filmaffinity.

Adoro Filmaffinity pero en ocasiones, no estoy de acuerdo con su democracia ni con sus votos emitidos en total libertad. Ya sea por la exigencia del usuario o porque dicha peli tiene muchos años pero hay cintas con puntuaciones que harían vomitar a una cabra.

Voy a exponer mi defensa de cinco películas de acción injustamente ajusticiadas y que estoy muy orgulloso de disponerlas en formato físico. Un aspecto muy importante de mi valoración es que no ha variado mi impresión al visionarlas actualmente. Empecemos. Voy fuerte:

Masters del universo (1987). Puntuación: 4,6.

Dolph Lundgren, Frank Langella, Meg Foster y Courteney Cox crean una película de aventuras maravillosa llamada Masters del Universo. Producida por la curiosa Cannon Films, fue un fracaso en taquilla pero nunca en nostalgia. Ver a nuestro Conan de pelo rubio en real, fue una experiencia enriquecedora. 

El bajo presupuesto de la película lastró que su historia se focalizara en la Tierra y no en Eternia pero este aspecto no desmereció sus decorados y por ejemplo, los interiores del Castillo de Grayskull son bastante potables. Además posee una potente banda sonora de Bill Conti que se escucha permanentemente durante toda la película, y que para nada tiene influencias del Main Theme de Superman. Para nada (sic).

Masters del universo de Gary Goddard es una película excelente de bajo presupuesto que va a todo trapo desde el minuto uno. Su fantasía me evade y me distrae. No pido nada más.

Danko: Calor Rojo (1988). Puntuación: 4,8.

Dirigida por Walter Hill y protagonizada por Schwarzenegger, Belushi y Gina Gershon. Película muy al estilo de su director, cruda y seca, donde se juega con el contraste del policía ruso y del detective americano formando una buddy movie la mar de entretenida. Tiroteos, persecuciones y simpáticas burlas al comunismo y al capitalismo complementan este curioso proyecto. Fue la primera película estadounidense que obtuvo permiso para filmar en la Plaza Roja de Moscú.

Escenas antológicas como la de la sauna, el hombre vestido de enfermera o maravillosos diálogos como ¿Considera femenino tener un periquito?, hacen de Danko: Calor Rojo una de las mejores películas de acción de los 80 con un Schwarzenegger pletórico.

Juez Dredd (1995). Puntuación: 4,1

Protagonizada por un reparto de lujo como Stallone, Diane Lane, Rob Schneider y Max Von Sydow. Juez Dredd simboliza muy bien el cine de acción de los 90 tan infravalorado. Película con explosiones a tutiplén y escenas inverosímiles. Soy consciente de qué a los más puristas, el hecho de que se quite el casco a la primera de cambio, mosquea y no hay fidelidad ninguna con el personaje en el que se basa. También los diferentes puntos de vista del director y de Stallone, no ayudaron.

Sin embargo, Juez Dredd tiene secuencias memorables como la escena de las motos voladoras, el tiroteo inicial en Mega City o mi preferida, el encuentro de Dredd con los caníbales. La crítica, por aquellos años, era implacable con Stallone con nominaciones a los Razzies anuales. No obstante, el presagio de catástrofe no hizo bajar la guarda a la taquilla internacional que apoyó el film del personaje de Wagner y Ezquerra originando una válida recaudación.

Reivindico la versión de Juez Dredd de Stallone. Imprescindible.                                                     

Escape de absolom (1994). Puntuación: 4,9

Siempre me ha parecido un peliculón con un Ray Liotta interpretando a un personaje fuera de su zona de confort. Una isla transformada en prisión donde conviven dos tipos de civilizaciones de presos y un marine, en tierra de nadie, que reniega de cualquier facción. Presos que no tienen posibilidad de ser rehabilitados y que la sociedad rechaza. ¿Qué puede salir mal?.

Estamos ante un mezcla de Fuga de Alcatraz, 1997: Rescate en Nueva York y Mad Max muy entretenida y bastante desconocida para el público en general. Ray Liotta como héroe de acción está sensacional y su antagonista, Stuart Wilson, que recuerda mucho al personaje de Dennis Hopper en Waterworld, está sublime.

Película de aventuras carcelaria muy infravalorada y con escenas a recordar. Sugiero al lector que le ofrezca una oportunidad.

Soldado Universal (1992). Puntuación: 4,8

Película filmada por el experto en desastres naturales, Roland Emmerich y protagonizada por dos colosos como Jean-Claude Van Damme y Dolph Lundgren. No entiendo como no llega al aprobado una película de tanto empaque como Soldado Universal del cual se han generado tres secuelas. La cinta se convirtió en un éxito mundial, a pesar de la crítica, y catapultó a Van Damme al estrellato.

Soldado Universal es una película icónica del género con tiros, persecuciones, hostias como panes y patadas circulares. La película contiene momentos inolvidables como el de Dolph Lundgren con su collar de orejas y la secuencia de los “Unisol” rapelando por una presa para desbaratar un ataque terrorista. Soldado Universal es uno de los referentes del género de acción de los noventa.

Un abrazo. Echo de menos las película de los 80 y 90.

 

El Resplandor: Foto final y el hombre oso ¿A qué se refieren?

 

Hay dos escenas en el Resplandor de Kubrick que no tienen ningún sentido y sólo con la lectura de la novela se puede vislumbrar un poco de cordura.

Wendy angustiada corre por los pasadizos del hotel en busca de su hijo. En el transcurso de su huida, se va encontrando con todos los fantasmas posibles que le ofrece el hotel. Uno de estos encuentros es el siguiente:

Bautizado como el hombre oso en la película. Según en la novela, es un hombre disfrazado de perro al que Danny se encuentra a cuatro patas en uno de los vestíbulos. En el libro, este “furry” amenaza a Danny con comérselo y su deseo es comenzar por su “pirulí” pero escapa. Más tarde, se descubre que nuestro can antropomorfo se hace llamar Roger y vuelve a aparecer en la novela en un baile de máscaras junto al constructor del hotel, un tal Horace Derwent. Este Derwent se dedica a humillar públicamente al hombre perro y lo manipula a su voluntad bajo la mofa del resto de invitados de la fiesta.

Los detalles de comenzar a comerse al niño por el “pirulí” y su respectivo sometimiento hacía Derwent, derivarían en la felación que se intuye en la película de Kubrick. Es una amalgama de detalles que ofrece la novela y que un lector como Kubrick, podría haber plasmado conscientemente en esa pequeña escena.

Otra teoría “más hilarante” es que Danny habría sufrido abusos sexuales por parte de su padre. En una escena de la película, Danny está en ropa interior en su habitación y observamos dibujos de osos en unos cuadros y en un peluche con forma de cojín. ¿Podría ser este hombre oso una metáfora entre Danny y su padre? La novela no indica indicio de ningún abuso sexual pero sí que se explica la agresión del padre al hijo.

¿Qué significa la foto final del 4 de julio de 1921 con un Jack del pasado?

Una paranoia y ya está. Podría cerrar el post y quedarme tan pancho  pero no.

Según Diane Johnson, la co-guionista de la película, el Jack que vemos en la película es una reencarnación del Jack de la foto. Jack siempre ha estado unido al Hotel Overlook desde tiempos inmemoriales.

La novela y la película coinciden en esta teoría. En la novela, Jack está exultante en un baile de máscaras imaginario y se encuentra al fantasma de Grady (el asesino que mató a su familia). Éste le comenta un detalle que no se puede pasar por alto y que reafirma el comentario de la co-guionista de la película:

“El vigilante es usted. Siempre ha sido el vigilante. Estoy seguro, señor, porque yo siempre he estado aquí. El mismo director nos contrató a los dos al mismo tiempo”.

Para más inri, Jack espeta en algún momento de la película “es como si ya hubiera estado antes en el hotel” reflejando una percepción de coincidencia y un déjà vú muy real.

Esta frase de Grady en la novela podría haber influido a Kubrick para confeccionar esa misteriosa foto final que tantas teorías nos ha regalado.

Feliz año amigos.